Էդվարդ Միլիտոնյանի «Աներևույթ շղթա» (2021) ժողովածուում է զետեղված «Խոսքի գույն, գույնի խոսքը» էսսեների շարքը։ Այն աչքի է ընկնում արվեստի խոր ընկալմամբ ու մեծ դիտողունակությամբ։ Եթե հաշվի առնենք, որ էսսեների քննական նյութը կերպարվեստի համաշխարհային ճանաչում ստացած կտավներ են, ապա խոհագրի համար «խոր ընկալում» և «մեծ դիտողականություն» հատկանիշներով բնութագրումը դեռևս ամենագլխավորի մասին չի վկայում։ Նման կտավների վերաբերյալ բացատրությունը պահանջում է արվեստի պատմության խոր իմացություն, որով աչքի է ընկնում էսսեների հեղինակը։ Նա փաստորեն «ընթերցում է» միֆի և գաղտնիքի «բացվածքում»։
Խոսքն ի սկզբանե է, բայց գույնն է առաջինը, որի մեջ ի սկզբանե զետեղված էր ամենայնը։ Ավանդույթով ամենայնի խորհուրդն ունեն հանճարների կտավները։ Այդ խորհուրդը փոխանցվել է միջնադարյան ժամանակներից։ Բանից բանականություն ընկած է միֆի մեծ ժամանակը, երբ թե՛ բանը և թե՛ գույնը կոլեկտիվ ենթագիտակցականի դրսևորումն էին։
Էդ. Միլիտոնյանը էսսեներում միֆական շերտերով է միավորում գույնը և բանը։ Սակայն նա միաժամանակ գիտական տեսանկյունով է մոտենում վերածննդյան դարաշրջանի և նորագույն ժամանակների նկարչական մեծագույն արժեք ունեցող գործերի քննությանը։ Բայց երբեմն ինքն է կանգնում առեղծվածների առջև։ Կտավի մեկնությունը նա «հատույթավորում» է, որպես օրենք, ամբողջականը բաժանում մասերի, որպեսզի խորացնի և հարստացնի ամբողջականի տպավորությունը։ Մասի քննությունը ամբողջականի կառույց մուտք գործելու հնարավորության դրսևորումն է։ Խոհագիրը, որպես կանոն, խորանում է գաղտնիքների մեջ՝ դրանք բերելով հիմնական վերլուծական նյութի առաջին պլան։
«Արվեստի մասին» էսսեում արվեստի գործը դիտվում է ինքն իր հետ նույնությունից դուրս («Նույնիսկ արձանը՝ Միքելանջելոյի Դավիթը, նույն տեղում կանգնած, անվերջ կերպափոխվում է… ժամանակների հայելիներում. գիշերը մի Դավիթ է, ցերեկը՝ մի»)։ Սա ճշմարտություն է. արվեստի մեծությունը նրա ներքին հարաբերականության, ներքին սահմանների փոփոխման մեջ է։ Սա հավերժի հետ քարացած կապից դուրս գալն է, ենթարկվելը տիեզերական ձգողության օրենքին։
«Հետմահու փառք» էսսեում խոսվում է անավարտ վեպի տպագրության առաջացրած ալեկոծության մասին, երբ կոլեկտիվ գիտակցությունն է խառնվում գործին և գտնում լուծման տարբերակներ։ Գրականությունից վեր են դիտվում առաջարկվող տարբերակները։ Չգրվածը առաջ է բերում երևակայության անզուսպ խաղ՝ գրված մասը թողնելով մի կողմ։ Արվեստը դիտվում է խաղ, ինչը ավարտ չպետք է ունենա։
Միջնադարյան և հետագա գեղանկարչության գլուխգործոցներին նվիրված էսսեներում առաջանում է գաղտնիքի վերծանման խնդիր։
«Սիքստինյան Մադոննա» կտավը համաշխարհային մեծության գործ է։ Էդ. Միլիտոնյանին գրավում են ընդհանուր պատկերի կարևոր տարրերի վերաբերյալ բացահայտումները (այդպես և մյուս կտավների պարագայում է)։ Նա հեռու է մնում արվեստագիտական հարթ շարադրանքից։ Դիտարկման կենտրոնում ոչ հայտնին է, ենթագիտակցական զուգակցությունները։
Հիշենք, որ արժեքները մշտապես վերարժեքավորման գործընթացում են։
Ժամանակի հետ հարցականներն ավելանում են։
Գաղտնիքը, որպես կանոն, բացվում է մեծ գաղտնիքի շրջանակում։
Որտեղ կատարելություն, այնտեղ՝ գաղտնիք։
Ամեն մի մասնակի գաղտնազերծում բերում է Մեծ Գաղտնիքի ավելացման։
Դեռևս կենդանության օրոք «Սիքստինյան Մադոննայի» հեղինակը համարվել է աստվածային նկարիչ։
Մայրն ու մանուկը, ինչպես ասված է էսսեում, «թեթև իջել են»։ Ինչպես կարծում ենք, այս հանճարեղ կտավում «պատճենվում» են տիեզերքից հաղորդվող ազդակներ, պատկերներ։ Դիտելով «Սիքստինյան Մադոննան», «Ջոկոնդան», «Խորհրդավոր ընթրիքը»՝ տեսնում ես, որ նկարիչը Երկրի և Տիեզերքի սրբազան հաղորդակցության պատկերահանն է։
Նման պատկերահանության արդյունք են «Աստվածամոր մաքուր, առավոտյան ցողի պես հմայող դեմքը…», Մանկան աջ աչքի «ոչնչից չընկրկող Աստվածային տեսողության լույսը»։
Էդ. Միլիտոնյանը Մանկան դեմքը ներկայացնելիս դիմում է գիտական վարկածին, ըստ որի՝ «դեմքի մի կողմը մայրական, մյուսը՝ հայրականն է» («Մանկան դեմքի աջ կողմը՝ Սուրբ հոգուց է»)։
Խոհագիրը միտքը շրջում է դեպի անմեկնելին, սակայն որը ենթագիտակցորեն հարազատ է ու ըմբռնելի։ Նույնիսկ այն, որ երկու հրեշտակ (նկարի ներքևում) «տագնապահույզ» են, քանզի դիտում են դիմացի որմին փակցված Խաչելության նկարը, կասկած չի հարուցում, քանզի Մանուկն ու Խաչելությունը ընդամենը աջ ու ձախ աչքերի հեռավորությունն ունեն (սուրբգրային գրականությունը միշտ հաղորդում է Խաչելության նախազգացումը և կատարումը, ըստ այդմ՝ երկնայինն ու երկրայինը բերելով Հիսուսի ինքնազոհության շրջանակ։
Հրեշտակների ու Մանկան միջև նմանությունը կա՛մ ենթադրվում է, կա՛մ ակնհայտ է, սակայն էսսեում կրկին ցուցանվում է Մանկան աջ աչքը, որը, թերևս, «ողջ նկարին հաղորդում է ուրիշ էություն»։
Ըստ հեղինակի, Դոստոևսկին միշտ դիտել է «Սիքստինյան Մադոննայի» արտատպությունը, գուցե իշխան Միշկինի, Ալյոշա Կարամազովի կամ Ռասկոլնիկովի աչքերով։ Սրանք ավետարանական նախագծերով հերոսներ են, քրիստոնեական բնութագրով կերպարներ։
Դիմելով Ռաֆայելին՝ խոհագիրը նշում է. «…ոչ ոք չի կարող ասել քո անասելին, տվել ես այնքան նշան, որքան կարելի է մեզ այժմ և հավիտյան»։ Հիշենք, որ «այնքան նշան» է մեզ տվել Սուրբ Գիրքը։ Էդ. Միլիտոնյանն այդ նշաններով է ընթերցում և դիտում արվեստի մեծ գործերը, որի վկայությունն են նրա էսսեները։
Երկնային նշանների փոխանցումը առկա է Մալևիչի «Սև քառակուսին» նկարում, ինչը դարձել է հաջորդ էսսեի նյութը։
Արվեստի և գիտության մտածողության համանմանությունը օրինաչափ է։ Նյուտոնի գլխին ընկած խնձորը, ըստ Միլիտոնյանի, ընկել է նաև Շեքսպիրի գլխին։ Մարդկային մտածողությունը համընդհանուր է, ապա նոր բաժանվում է ոլորտների։
Երկնային սև խոռոչի «արտապատճենումն» է Մալևիչի «Սև քառակուսին» կտավը։ Չգիտենք ինչ նախախնամությամբ է դա տեղի ունեցել, Մալևիչը հանգած աստղերի ռեալ գոյություն ունեցող երկնային հավաքատեղին (գերեզմանոցը) կտավի միջոցով փոխադրում է Երկիր։ Երկրային վերծանում է տրվում երկնային ամենախոշոր առեղծվածային երևույթին։ Իսկ այն, որ «Սև քառակուսին» նկարի երկրորդ շերտը գունավոր է, ուղղակի մատնանշում է նախկին կենդանի աստղերին։
«Արևի ժամացույց» (1988) գրքում է զետեղված «Անառակ որդու խոստովանությունը» բանաստեղծությունը։
– Թող խաչվեմ ձեռքերիդ արցունքների մեխերով, որպես վերջին Անառակ։
«Թող խաչվեմ»՝ հանգուցալուծումը քրիստոնեական է (հիսուսական բարդույթ)։ Ռեմբրանդտի կտավում կերպարները ճակատագրի լռության մեջ են։ Խոսքը ենթարկված է տաբուի։ Բանաստեղծության մեջ խոսում է որդին՝ խախտելով տաբուն։
«Անառակ որդու վերադարձը» էսսեում ընդհանուր կտավից նախ առանձնացվել է առանձին դիտակետ, որը ձախ ոտքի ներբանն է՝ անբուժելի վերքերով։ Աջ ոտքի ներբանն իր հերթին «կտտահարված» է (թափառողին բնորոշ հետքեր)։ Վերքերը մեղքի հետևանք են և ցույց են տրվում հենց ներման պահին։ Այդ պահին անգամ տեսադաշտում են մնում մեղքն ու նրա հետևանքները։
Կարմիր թիկնոցով հայրը (Ռեմբրանդտի նկարներից մեկը կոչվում է «Կարմիր թիկնոցով ծերունին»։ Կարմիրը զուգորդվում է արյան, վերքերի, մահվան և սուբլիմացիայի հետ։) փարվում է վերադարձած որդուն, պարզ է, ներողամտորեն, ում մեջ որդու վերադարձի հավատը եղել է ի սկզբանե։ Նա վերադարձի (մեղքից ետ կանգնելու) հավատավոր է և արդեն վկան։
Հայրը աչքի է ընկնում իմաստությամբ՝ ի թիվս Ռեմբրանդտի պատկերած՝ վիշտ ու զրկանք կրած ծերունիների։ «Անառակ որդու վերադարձը» նկարը, սիմվոլիզմի լեզվով ասած, պատկերում է քաոսի (որդու հեռացումը) և Կոսմոսի (Կարգի) պայքարը։ Քաոսը վերադառնում է կարգին։ Սակայն Ռեմբրանդտի դաժան ռեալիզմը չի մոռանում անառակ որդու կրունկները։
«Ջոկոնդա» էսսեն մեծագույն դիմանկարի առեղծվածները մաս առ մաս բացահայտելու փորձ է։ Դա արվում է սեփական ներաշխարհում դիմանկարի այս կամ այն մանրամասնի առաջ բերած զուգորդումների շարադրանքով։ Նախ զարմանալի փաստերից մեկը՝ Ջոկոնդայի ներքնապատկերում «Լեոնարդո դա Վինչիի ստույգ ինքնանկարն է»։ Խոհագրության հեղինակն այստեղ տեսնում է «տիեզերական խորհուրդ»։ Մենք կարծում ենք, որ այս կերպ արտահայտվել է Աստծո (այս դեպքում՝ Աստվածամոր) հետ միավորվելու միստիկ ձգտումը։ Կամ ներքնապատկերն արվել է նկարի հեղինակի ով լինելը ապացուցելու համար։
Մի դիմանկարի մեջ մեկ ուրիշինի հետագծեր են առկա «Խորհրդավոր ընթրիքում» («Հովհաննեսը թեքվել է Պետրոսի կողմը՝ չտարբերվելով Մարիամ Մագթաղինացուց», «Հովհաննեսը նմանություն ունի «գեղաշնորհ Բեատրիչեին»», «Թադևոսը դա Վինչիի ինքնանկարի նմանակն է»)։
Ջոկոնդայի նկարը, ըստ խոհագրության, քանդակ է՝ քանդակի մեջ։ Գիտական արվեստաբանության մեջ նշվում է, որ Միքելանջելոն նկարչության մեջ պահպանում է ֆիգուրների քանդակային ձևերը։ Նույնը կարող ենք ասել դա Վինչիի մասին։
Խոհագիրը համեմատություն է անցկացնում «Ջոկոնդայի» և «Լուսնի սոնատի» առաջ բերած ներհայեցողությունների միջև։
Ջոկոնդայի աչքերի մեջ երևացող թվերը Պյութագորի տեսած աշխարհի թվային հիմքի հետքերն են։
«Աստծո և մարդու հայացքի նույնականությունն է սփռված Ջոկոնդա արարածի դեմքին»,- նշվում է էսսեում։
Ժամանակի արվեստաբանը գրում է, որ Ջոկոնդայի ժպիտը աստվածային է և ոչ մարդկային։ Բնութագրություններն իրար չեն հակասում. հաստատում են նույնը՝ հայացքի աստվածային լինելը։ Արժե հիշատակել մեկ ուրիշ կարծիք նկարի մասին՝ «Ջոկոնդայի աչքերի բնական փայլն ու խոնավությունը պահպանվել են, իսկ ուշադիր դիտելով պարանոցը, տեսանելի է դառնում զարկերակի բաբախը»։
Աստվածամոր և Մանկան թեմայով էսսեներին համահունչ է «Ժամանակի գիր» ժողովածուի (2021) «Տաճարում ես տեսնում եմ աղոթող քրիստոնյայի» տողով սկսվող, պատմողական տարրերով հարուստ բանաստեղծությունը, որն ավարտվում է հետևյալ տողերով.
– Թող սխալվեմ,
Գուցե դա է հիմքը, որ ոչ մի Ավետարանում,
Ոչ մի նկարում և արձանախմբում
Հիսուսը չի ծիծաղել։
Ես ուզում եմ սխալվել «Պիետայի» առջև։
Մադոննա Պիետա է անվանվում տառապանքի և թախիծի հատուկ զգացողությամբ արված կոմպոզիցիան։ «Մադոննա Պիետա» քանդակի հեղինակը Միքելանջելոն է։
Տիրամոր ծնկին հանգչող Քրիստոսն է։
Պիետան մարմնավորում է կարեկցություն, խղճահարություն, գթություն, ողորմածություն և բարեպաշտություն։
– Հիսուսը չի ծիծաղել։
Այդ է ապացուցում հատկապես Մադոննա Պիետա քանդակը։
«Արմավենին» էսսեն խտացված խոսք է սարյանական արվեստի մասին, որը նույնպես «Ի սկզբանե էր Բանն»-ի ծնունդ է։ Նկարչության մեջ Բանը գործ է։
«Արմավենին» նկարը միֆի գունավոր պոեզիան է։ Նրանում միֆի բնագիր գույներն են ու պայծառությունը։
«Արմավենին» խոհագրության յուրաքանչյուր միտք մեզ համոզում է, որ առարկաները, մարդիկ, եգիպտական դիմանկարները աշխարհածննդյան շրջանակում են։ «Կապտաշոգ երկնքի մեջ խեղդվել են թռչունները». խոհագիրը կապույտ գույնից քամում, դուրս է բերում բառերը։ Եվ հակառակը՝ բառերից քամվում, դուրս է բերվում գույնը։ Սարյանական գույնը ևս ի սկզբանե է։
«Ամեն ինչ ձգտում է էպոս դառնալ»,- «Արմավենին» նկարի, ասենք, թեկուզ, ամեն գծի մասին է։
Սարյանը, գնալով դեպի միֆի բնագիր, էպոսից շատ առաջ է անցնում։ Նա սկսում է գույնի Գիրք ծննդոցից և իր կտավներում միավորում ժամանակները։ Սարյանի գույները գույնի մաքրագիրն են։
Էսսեում լռությունը կերպավորվում է որպես հավերժի լեզու, որով մունջ բարբառում են նկարի բոլոր պատկերները՝ սկսած արմավենուց։
«Եթե խոսելու ես, խոսիր բուրգերի և լեռների լռությամբ, որ քեզ ըմբռնի Մեծ Լսողը»,- ասում է խոհագիրը։
Սարյանի արմավենին բուրգերի լռության ծնունդն է։
«Լոտոս» նկարն իր մեջ պարունակում է տիեզերքի խորհուրդը (հողի և արևի)։
Խոհագրությունից դուրս հիշեցնենք Սարյանի վրձնած՝ Չարենցի դիմանկարը (եգիպտական դիմակով)։
Դեռևս հնում ընդունված էր, որ քուրմը, կրելով դիմակ, դառնում է ոգու մարմնացում։ Դիմակն արտահայտում է գերբնական ուժ։ Այն նաև գաղտնիքի կամ պատրանքի խորհրդանիշ է։ Սարյանի նկարում դիմակի սիմվոլով ասվում է, որ Չարենցը մարմնավորում է ոգին, ունի գերբնական ուժ (միայն Սարյանը կարող էր Չարենցին տալ նման գնահատական)։
«Արշիլ Գորկու արվեստանոցում» էսսեում բնությունը դիտարկվում է ոչ որպես արտաքին աշխարհ։ Կնշանակի այն նաև ներքին աշխարհում է։ Ըստ նորպլատոնականների՝ համաշխարհը մարդու մեջ է։
Էդ. Միլիտոնյանը Ա. Գորկու արվեստը համեմատում է փշե պսակը գլխին սֆինքսի հետ։ Սֆինքսը մատնանշում է հանելուկայնություն, «աստղերի փշե պսակը»՝ տառապանք՝ անմահ լույսի ուղեկցությամբ։
«Արշիլ Գորկու վերհուշերը», «Նկարչի ծնունդը» («Արևի ժամացույց» ժողովածու, 1988) բանաստեղծությունները «Արշիլ Գորկու արվեստանոցում» էսսեի «նախերգանքն» են։ Առաջին բանաստեղծության մեջ Արշիլ Գորկու ստեղծագործության խորհրդանիշ է ընտրվել ծիրանի ծառը՝ «աշտանակի պես», հրե լեզու պտուղներով (ակնարկ կրակի միֆի, լույսի հետ առնչությունների)։
Փշե պսակ է նկարչի հոգու վրա. սա ծանր տառապանքի և այն վեհորեն կրելը ներկայացնող պատկեր է։
Ամերիկայում Արշիլ Գորկու արվեստը որակվել է որպես «էպիկական խորհրդապաշտության տիեզերական արտահայտություն», «վերացարկված ձևերի ազատ ընդհանրացում՝ հնչեղ գույների համադրությամբ»։
Համաձայն խոհագրի, լինելով անսահմանի արտացոլումը, Գորկու արվեստը պատասխան է առանց հարցի։
Էսսեն ուշադիր է Վանա եկեղեցու կողքի չորչորուկ ծառին, որի ճյուղերին փակցնում էին հագուստի ծվեններ, որպես ուխտավորների ցանկությունների կատարման երաշխիք։
Ուխտի խորհուրդը հիշողության բռնկումի մեջ է։
Ազգային ուխտի գույներն են Ա. Գորկու նկարչության մեջ։ Այդ գույները նույնպես միֆական ավազանի ծնունդ են և ժամանակային որևէ հեռավորություն չունեն։
«Բենջամին Վոտիեի խաղը» էսսեն «ապացուցում» է, որ մեծ արվեստագետն ինքն է սահմանում իր ճակատագրի խաղը։
«Խոսքի գույն, գույնի խոսքը» շարքը եզրափակվում է «Խորհրդավոր ընթրիքը» էսսեով։ Այն, ինչպես մյուս էսսեները, աչքի է ընկնում արձակագրական հատկանիշներով։ Սրա մասին է խոսում էսսեի կոմպոզիցիոն շրջանակը (մի ընտանիքի պատմությամբ սկսելն ու ավարտելը)։ Արվեստագիտության մեջ նշվում է, որ Լեոնարդո դա Վինչին կերպարները պատկերել է «քանդակային, լուսաողող, սահուն, կորակազմ մակերեսներով»։ Հանճարը «ֆիգուրները տեղադրել է հավասարակողմ եռանկյունու մեջ»։ Էդ. Միլիտոնյանը տեսնում է աներևույթ եռանկյունիները, որոնց շնորհիվ կերպարները տիեզերական ներդաշնակության սահմաններում են։
«…Ձեզանից մեկը ինձ կմատնի»,- Հիսուսը բարձրաձայնում է ընթրիքի ժամանակ, իսկ մատնողը մոտ է նստել նրան։
Հիսուսի խոսքը ազդարարում է խաչափայտին հայտնվելու պատրաստակամության մասին։ Նրա ոտքերը սեղանի ետևից չեն երևում, իսկ նույնասյուժե նկարներում ոտնաթաթերը իրար են կպած, ասես խաչափայտին հայտնվելու նախապատրաստությամբ։ Ահա և բոլոր կերպարները, իրարից անկախ, խորհրդավոր նախապատրաստության մեջ են։ Խորհրդավորության քողը երբեք չի բարձրանա։ Էսսեի հեղինակը ամեն մանրամասնում տեսնում է ճակատագրական գաղտնին։
Մեր ժամանակներում Վերածննդի և արդի գեղանկարչության հանճարեղ գործերին անդրադառնալը ունի կարևոր նշանակություն, որի գիտակցումով էլ ծնվել է էսսեների գիրքը։ Մեծ արվեստը կոչված է մարդկությանը դուրս բերելու հիշողության կորստի սև քառակուսուց։
ԷԴՎԱՐԴ ՄԻԼԻՏՈՆՅԱՆԻ ԷՍՍԵՆԵՐԸ / Նորայր ՂԱԶԱՐՅԱՆ
